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La hiperconectividad. Entrevista a Mikha-ez

Inés Álvarez Díaz junto con Carlos Klett, ambos redactores de artes plásticas, se desplazan virtualmente al estudio de Mikha-ez en Gijón, para traernos un diálogo innovador sobre la última obra del artista, comisariada por Soomin Kim desde Seúl. Expuesta de manera virtual, con actualizaciones diarias en español, inglés y coreano en el feed de Instagram de Mikha-ez y que aún se puede visualizar. Una hiperconectividad de alcance mundial, testigo y fuente del panorama actual.


Feed de Instagram con el proyecto 9.806 km. Algorithm: Turning a talk into an exhibition. Mikha-ez, 2022



El artista Mikha-ez (Gijón, 1991) comienza el año 2022 concluyendo su último proyecto 9.806 km. Algorithm: Turning a talk into an exhibition, una exposición virtual a través de la red social Instagram donde el entrevistado y la surcoreana Soomin Kim establecen un diálogo motivado por llevar el arte de Mikha-ez a Corea del Sur. Un diálogo fruto de la hiperconectividad que explora la globalización y que con la Covid-19 se acentuó.



[La presente entrevista se llevó a cabo en enero de 2022 por Inés Álvarez junto a Carlos Klett].


Sobre los comienzos de Mikha-ez, ¿en qué momento despierta tu interés por el mundo del arte?


"Creo que desde pequeño mi relación con las imágenes ha sido diferente a la de otras personas. Sufrí una otitis aguda con apenas 3 años, lo que hizo que tardase más tiempo en hablar, leer y escribir que el resto de niños. Esto provocó que para mi las imágenes fueran un elemento de comunicación básico, mi lenguaje primigenio, o eso quiero pensar."



¿Tus proyectos siguen una línea o continuidad conceptual? Asimismo, ¿existe alguna temática por la que tengas predilección a la hora de desarrollar tus proyectos?


Dediqué los dos últimos años de la Licenciatura en Bellas Artes (Universidad de Salamanca) a una investigación, con la ayuda de Alfonso Falero, sobre la estética del vacío en la cultura sinojaponesa que fue expuesta en el Centro de Arte Domus Artium 2002 de Salamanca (DA2). Aquel proyecto, Vacuum as space. Another perception of the vacuum, marcó el inicio de una serie de investigaciones derivadas del acercamiento y análisis del medio natural, un intento por comprender los modos en los que nos relacionamos como seres del mundo fenoménico y ofrecer alternativas donde lo natural no exista de un modo desligado de lo humano. Así han surgido proyectos como Kālā, Ocho puntos de vista de un pétalo de rosa bicolor, Campo del Cielo, Coral, coral, Todos somos agua, o más recientemente Without a Name.


Todos somos água, 2021. IInstalación sonora y máquina de humo. Babel Art Lab

Proyecto Campo del cielo. Escala 1:1 / 28 g / 480,42 gr, fotografía Miguel Ângelo, 2018. Polvo cerámico, acabado EpsomSalt, impresión


[Pulsa las imágenes y accede a la galería completa de imágenes del artista].



No cabe duda de que la pandemia ha transformado gran parte de nuestros hábitos sociales, aumentando el consumo de las redes digitales. Siendo así, tu último proyecto 9.806 km. Algorithm: Turning a talk into an exhibition en colaboración con la comisaria coreana Soomin Kim, atiende a esta nueva necesidad comunicativa. ¿Cuándo comienza vuestra interacción e interés por crear un proyecto juntos? ¿Cómo lo definirías?


El algoritmo de Instagram nos “puso en contacto”. A pesar de los 9.806 kilómetros que separan el estudio de Soomin Kim en Seúl y el mío en Gijón, la plataforma de Instagram nos permitió iniciar un diálogo, el cual inicialmente no tenía la pretensión de convertirse en una exposición. Finalmente esa conversación muto hacia una exposición (de materiales y reflexiones gráficas), una exposición que de alguna forma seguía siendo una conversación. Era la representación perfecta, el diálogo mantenido, de la hiperconectividad que explora la globalización y que a raíz de la Covid-19 se vio acentuada.


Surgió así una conversación motivada por el interés de Soomin Kim por mi trabajo, y que explora y me propone inicialmente las posibilidades de llevar a cabo una exposición de alguno de mis proyectos a Corea del Sur. Es precisamente este pretexto el que suscita toda una conversación e intercambio de materiales, referentes y referencias, que han terminado por convertirse en el objeto mismo de la exposición.


No recuerdo el momento exacto en el que la conversación pasó a ser el centro de nuestro proyecto. Una conversación privada que nunca había sido pensada para mostrar, en una lengua que no era la de ninguno de los dos, pero que sirvió para establecer un diálogo. Llegó un punto en el que tanto Soomin Kim como yo dejamos de verle sentido a llevar uno de mis proyectos ya realizados a Seúl, y nos percatamos de que en aquella conversación estaban ocurriendo muchas cosas: los proyectos de los cuales Soomin Kim me pedía información en inglés dialogaban con decenas de otras imágenes que nos intercambiamos, referencias situadas en una cartografía visual, una suerte de atlas a través del cual se interconectaban nuestros dos estudios. Fue así como sin darnos cuenta nos dimos cuenta, precisamente, de que teníamos entre nuestras manos el material con el que confeccionar aquella exposición que desde el inicio fue el pretexto de nuestra conversación.



La exposición se realizó de manera virtual, con actualizaciones diarias en español, inglés y coreano en tu feed de Instagram. ¿Es la primera vez que desarrollas una exhibición en este formato? ¿Cómo describirías la experiencia?


Sí, fue la primera vez que ideaba y desarrollaba una exposición en exclusiva para un formato como el que nos ofrecía Instagram. Ya había realizado algún que otro proyecto para entornos digitales, como Kālā, con textos de Miguel Cereceda y Cayetano Limorte Menchón, para 3K ART, posteriormente presentado en Ivorypress (Madrid). Pero en esta ocasión, la plataforma de Instagram nos permitía una interconectividad con los usuarios mucho mayor, recibiendo en tiempo real el feedback de las personas.


"[Mikha-ez] Creo que la idea de la exposición, como una colección de artículos con nuestra conversación y algunas fotos, es genial.


[Soomin Kim] Sííííí 🥺🤍🤍 Me gusta."


Proyecto 9.806 km. Algorithm: Turning a talk into an exhibition. Mikha-ez, 2022




¿La recepción del público ha sido la misma en comparación con una exposición tradicional?


9.806 km. Algorithm: Turning a talk into an exhibition la “visitaron” 2.521 personas (cuentas alcanzadas), de las cuales 395 interaccionaron con la exposición (1.385 interacciones con el contenido). No soy partidario de medir el éxito de las exposiciones en términos de cifras, pero si es cierto que el entorno digital te pone en contacto con toda una red global de usuarios que pueden visitar o interactuar con el contenido desde cualquier parte del mundo. En una exposición en un espacio físico eso se ve reducido. Obviamente no todos los proyectos tienen sentido de ser en uno u otro espacio, y las ventajas de uno y otro dependerán mucho del tipo propuesta que quiera llevarse a cabo.


En este sentido, lo que nos permitió realizar la exposición en Instagram fue establecer una comunicación directa con los usuarios acerca de su experiencia, algo que para mi es sumamente importante, conocer cómo la gente “usa” la obra o experimenta el hecho artístico.


Proyecto 9.806 km. Algorithm: Turning a talk into an exhibition. Mikha-ez, 2022



Para finalizar, ¿podrías darnos algún adelanto de tus futuras creaciones?


Actualmente me encuentro trabajando en un proyecto sonoro con el grupo de música San Jerónimo sobre una expedición a la Antártida a bordo del buque Sarmiento. En 2022 saldrá algo…





Mikha-Ez

Artista plástico entrevistado


Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca (2015-2019), Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid (2014-2015) y Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca (2009-2014). Miembro del Laboratorio para creadores y docentes innovadores Musaraña de educaTHYSSEN (2021), del Grupo de Investigación Reconocido (GIR) Investigación en Proyectos de Arte Contemporáneo (IPAC) (2017-2019) y del Instituto Universitario de Investigación en Arte y Tecnología de la Animación de la Universidad de Salamanca (2016-2019). ​ Ha realizado estancias de investigación en la Factoría Cultural (Avilés, 2020), el Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes de la Universidade de Lisboa (Lisboa, 2018), la Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa, 2018), la Fundação Serralves (Oporto, 2018) el Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart (Berlín, 2017), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2017), el Institut Valencià d’Art Modern IVAM (Valencia, 2017) y la Fundación NMAC (Vejer de la Frontera, 2016). Destacan proyectos como Mi cama era un océano, un cielo, un bosque y la noche en Galería Nueva (Madrid, 2021), Belenus en Espacio Líquido (Gijón, 2021), Welcome to the Antropoceno en el Museo de Salamanca (Salamanca, 2019), Todos somos água en ARCO (Lisboa, 2019), Sobre cómo lo efímero construye las formas tangibles en AlCultura (Algeciras, 2019) comisariado por Magda Bellotti, Kālā en Ivorypress (Madrid, 2018), Campo del Cielo en el Museo de Salamanca (Salamanca, 2018) comisariado por Fernando Castro Flórez, Corpo de meteorito en la Faculdade de Belas-Artes de la Universidade de Lisboa (Lisboa, 2018), Mirador en IPSUM (Madrid, 2018), Hay un mar que es más alto que el cielo en el Museo Barjola (Gijón, 2017), La exactitud de la materia herida por la luz en Brita Prinz (Madrid, 2015) comisariado por Fernando Castro Flórez o Vacuum as space. Another perception of the vacuum en el Centro de Arte Domus Artium 2002 (Salamanca, 2014). ​ Su obra forma parte de las colecciones de Borja Thyssen, Taller del Prado (Madrid), Enrique Vila-Matas (Barcelona), Museo de Salamanca, Universidad de Salamanca, Ayuntamiento de Salamanca (Salamanca), Fundación Newcastle (Murcia), AT Colección (Santander), Ministerio del Gusto (Tenerife), IES Universidad Laboral (Gijón), BECO (Lisboa) y Ernesto Neto (Rio de Janeiro).


Más sobre él en https://www.mikhaez.com/bio

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